Rozhovor so Sandeepom Narayanom: „Chcem, aby môj koncert bol čo najautentickejší a najreálnejší“

Klasický spevák Carnatic Sandeep Narayan verí v súčasné hodnoty, aj keď praktizuje to, čo sa považuje za konzervatívne umenie. Zaujíma vás, kto bol hviezdny hudobník, ktorý ho školil a formoval jeho perspektívy v umení a živote? Prečítajte si tento pútavý rozhovor.

Klasický spevák Carnatic Sandeep Narayan vystupuje na koncerte. (Expresná fotografia: Ramanathan Iyer)

Vyraziť dieťa zo školy v USA v jeho formatívnych rokoch a poslať ho do Chennai, aby sa naučil karnatickú hudbu, bolo v 90. rokoch minulého storočia dosť neortodoxné. Nikto to predtým nerobil, ale Narayanovci v Los Angeles boli takí milovníci karnatickej hudby, že si mysleli, že ich talentovanému synovi nesmie ujsť výhoda, ktorú si deti jeho veku v Chennai užili.

Ich syn mal len 11 rokov a prirodzene inklinoval k hudbe, pretože všetko, čo doma počul od útleho detstva, bola karnatická hudba. Karnatickú hudbu sa učil od štyroch rokov od svojej matky Shubha Narayan, ktorá mala sama známy hudobný rodokmeň. Keď sa však chlapec stal príliš hravým, jeho rodičia si mysleli, že by sa mal formálne učiť od iného gurua. Spýtali sa maestra N Ramaniho, flautára so sídlom v Chennai, ktorý učil Sandeepovu staršieho brata flautu, či môže pomôcť. Ramani po dlhom premýšľaní navrhol, aby chlapec prišiel do Indie a učil sa od Kalkaty KS Krishnamurthiho, známeho muzikológa a veľmi vyhľadávaného učiteľa starších interpretov.

Pre Krishnamurtiho bola žiadosť trochu neobvyklá, pretože neučil žiadne NRI, nieto dieťa, okrem pravdepodobne tých z rodín, ktoré sa natrvalo presťahovali do Indie. Skúsil to kvôli Ramanimu, zaujal chlapcov raný výcvik a bystrosť a umožnil mu učiť sa pod ním.

Chlapec zostal v Indii asi 18 mesiacov so svojou matkou a absolvoval dosť prísne školenie pod vedením Krishnamurtiho, ktoré bolo plné tried, koncertov a neúnavných cvičení. Keď sa vrátil do USA, mal zdravý základ, oveľa silnejšiu náklonnosť ku klasickej hudbe a hlbokú túžbu presadiť sa v karnatickej hudbe. Pokračoval v výcviku pod Krishnamurthim prostredníctvom svojich nahrávok a priamych tried v Chennai počas letných a zimných prázdnin.

Čítať | Sestry Akkarai: „Karnatická hudba je spontánne umenie, nie niečo, čo sa dá nacvičiť k dokonalosti“

Nanešťastie pre chlapca Krishnamurti o tri roky zomrel a nezostal mu žiaden učiteľ podobného kalibru. Ale tentokrát rodina nemusela hľadať iného gurua, pretože chlapec, ktorý bol teraz v tínedžerskom veku, už uprel zrak na nového gurua, ktorý už bol hviezdou sám osebe a starším žiakom Krishnamurtiho . Chlapec, ktorý má stále sídlo v USA a podniká polročné cesty do Indie, sa nasledujúcich 15 rokov učil od svojho nového gurua a teraz je jedným z mála súčasných karnatických hudobníkov, ktorý si osvojil štýl, ktorý je pre jeho vlastného gurua jedinečný. Školenie s novým guruom zmenilo život a chlapec sa v roku 2006 po ukončení vysokoškolského štúdia presťahoval do Chennai. Teraz je jednou z najlepších hviezd mladšej generácie karnatických hudobníkov a vôbec prvým indicko-americkým dieťaťom, ktoré urobilo z karnatickej hudby kariéru v Indii.

Toto je príbeh Sandeepa Narayana, skvelého frajera karnatickej hudby, ktorý je známy štýlom bohatým na klasicizmus, výrazy a improvizáciu. Je spevákom v hlavnom vysielacom čase v Chennai’s Sabhas vrátane Madras Music Academy a je veľmi vyhľadávaným klasickým interpretom aj v iných indických mestách. Je tiež jedným z mladších generácií klasických hudobníkov, ktorí sú schopní preniesť umenie do novej generácie a krížového publika.

Sandeep, nadaný atraktívnym hlasom, ktorý je flexibilný a schopný bez námahy sa pohybovať po oktávach a je známy svojim hlboko expresívnym štýlom, je úžasný interpret, ktorý priťahuje pôsobivých znalcov klasickej hudby všetkých vekových skupín v Chennai i inde. Je celkom zbehlý vo všetkých aspektoch klasického spevu a jeho štýl je bohatý na dobre tvarované gamaky, brigy a atraktívne hudobné zvuky, vďaka ktorým je karnatická hudba príťažlivá aj pre laikov. Prirodzená skladba jeho spevu, pomalá aj vysoká, dodáva jeho hudbe istú jasnosť, vyrovnanosť a príjemný chod. Jeho vycibrené klasické techniky a informované vystavenie iným formám hudby a umenia robia jeho improvizácie očarujúcimi a presvedčivými, či už ide o raga spev, neraval (improvizácia spevu, refrén od hlavnej skladby), kalpanaswaras (v ktorých sa spevák angažuje). nápaditá prezentácia tónov raga) a čo je najdôležitejšie, Raga Tanam Pallavi (RTP), ktorá porovnáva technickú a tvorivú všestrannosť speváka Carnatic.

Sandeep je držiteľom mnohých regionálnych a národných vyznamenaní. Bol najlepším koncertným interpretom Hudobnej akadémie a držiteľom mnohých titulov, ako napríklad Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar zo skupiny Sangeet Natak Akademi v minulom roku.

akú farbu má grapefruit

To, čo ho robí trochu unikátnym, je aj fakt, že nie je konzervatívnym spevákom Carnatic v starom štýle. Pravdepodobne ho môžete nazvať súčasným konzervatívcom, čo znamená, že verí v súčasné hodnoty, aj keď praktizuje to, čo sa považuje za konzervatívne umenie. A hudobníci ako on dokazujú, že aj staré umenie, akým je karnatická hudba, môže byť celkom súčasné a pozerať sa dopredu.

Zaujíma vás, kto bol hviezdny hudobník, ktorý ho školil a formoval jeho perspektívy v umení a živote? Prečítajte si tento pútavý rozhovor.

Sandeep Narayan v roku 2019 prijíma SNA Yuva Puraskara od guvernéra Manipuru Najmu Heptullaha.

Začnem od začiatku. Boli ste priekopníkom ako prvé indicko-americké dieťa, ktoré sa rozhodlo pre karnatickú hudbu ako kariéru v Indii. Ako sa to stalo a čo cítite, keď sa obzriete späť? Museli ste podstúpiť veľa úprav životného štýlu?

V tom čase som pravdepodobne nevedel, čo mám robiť, a bol to druh experimentu, ktorý nakoniec fungoval. Určite som vedel, že chcem byť v karnatickej hudbe a dá sa to iba v Chennai. Pokiaľ ide o úpravu životného štýlu, nemal som problém, pretože hudba bola dôležitejšia ako čokoľvek iné: učiť sa hudbu, chodiť na koncerty a nakoniec vystupovať. To boli ciele. V skutočnosti nesúhlasím s ľuďmi, keď hovoria, že životná úroveň je tu o niečo nižšia, pretože to závisí od toho, čo hľadáte a aké sú vaše hodnoty. Môžem tvrdiť, že životná úroveň je tu skutočne lepšia. Získate tu veľa vecí, ktoré vám robia život šťastnejším, jednoduchšie. Napríklad, ak si chcem dať šálku čai, nepotrebujem jazdiť do Starbucks, môžem ísť pár stôp do akéhokoľvek čajového kadai (obchodu)! Mám tu aj úžasných priateľov. Úprimne povedané, som veľmi šťastný.

Bolo ľahké prispôsobiť sa indickému guruovi v hudobnom systéme, ktorý aj dnes vyzerá dosť konzervatívne?

Môj prvý guru v Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), nebol príliš ortodoxný a vychádzali sme veľmi dobre. Bolo zábavné, že tam bol tento 11-ročný chlapec s veľmi silným americkým prízvukom, ktorý sa chcel naučiť hudbu od staršieho vidwana. Bol trochu skeptický, ale potom, čo ma počul spievať, bol šťastný. Po našej prvej hodine mi povedal, že ma začne učiť na vyššej úrovni, pretože si myslí, že som schopnejší ako deti v mojom veku. Niečo medzi nami rozhodne cvaklo.

Do Indie ste prichádzali od roku 1996, aby ste sa učili pod vedením Kalkaty Krishnamurtiho a po jeho smrti ste sa presťahovali k inému guruovi a učili ste sa pod ním dlho, kým ste sa nestali celkom nezávislými. Môžete popísať svoj vývoj ako hudobníka v Chennai?

KSK Mama ma povzbudila, aby som preskúmala manodharmu pomerne skoro. Do tej doby som robil veľmi málo improvizačnej hudby, ako je alapana, neraval, swaras atď. Tiež ma naučil veľa nových ragas a dal môjmu hudobnému výkonu iný smer a hĺbku.

V roku 1999, keď zomrel, musel som sa učiť od niekoho iného a jediný, koho som mal na mysli, bol Sanjay Subrahmanyan. Poznal som ho ešte predtým, ako som išiel do KSK Mama, pretože sa s ním naša rodina stretla počas jeho koncertného turné po USA v roku 1995. Už ako dieťa som bol jeho veľkým fanúšikom a nábožensky ho nasledoval od roku 1996-97. Kedykoľvek som bol v Chennai, chodil som na jeho koncerty a sedel som v prvom rade. Učil sa tiež od KSK Mama spolu s ďalšími známymi umelcami, ako sú okrem iných Sudha Raghunathan a P Unnikrishnan. Bol som skutočne ohromený hviezdou a tiež som si myslel, že je skvelé, že som sa učil od rovnakého gurua, od ktorého sa učil aj Sanjay Subrahmanyan.

Čítať | Diváci si prídu užiť hudbu, a nie vidieť vaše matematické čarodejníctvo: Neyveli Venkatesh

Takže keď už môj guru nebol, poprosil som Sanjaya, či by ma mohol učiť. Bol som si svojou voľbou úplne istý, ale trochu váhal, pretože po tom, čo sa dozvedel od mamy KSK, ktorá bola veľmi staršia a oveľa staršia, si myslel, že by som mal pokračovať s niekým z tejto generácie. Ale pre mňa bol Sanjay perfektný. Vychádzal som s ním tak dobre a páčilo sa to aj mojim rodičom.

So mnou a Sanjayom to bolo zbytočné. Hovorili sme o športe, filmoch, iných štýloch hudby atď.

Stále sa od neho učíte?

Pravidelne som sa od neho učil asi do roku 2014-15. Vďaka môjmu rastúcemu cestovaniu a jeho už zaneprázdnenému cestovnému poriadku sa hodiny postupne stávali menej frekventovanými. Tiež chcel, aby som sa sám učil a rozvíjal. Teraz som pri učení nezávislejší, ale konzultujem s ním akékoľvek hudobné otázky, ktoré z času na čas mám. Napríklad pred dvoma rokmi som mu poslal správu, či by som sa mohol naučiť pár piesní, a on to okamžite urobil. Aj dnes, ak mám v hudbe niečo objasniť, idem k nemu.

Ako viete, ľudia majú na Sanjaya vo vašej hudbe veľký vplyv, vrátane gest, zvukových manierov, sangathis atď.

Áno, viem (smiech). Ale tí, ktorí sledujú Sanjayovu a moju hudbu, si tiež všimli, ako a kedy som sa odklonil od štýlu Sanjay Sira. Tí, ktorí len zbežne počúvajú a vedia, že som jeho žiak, samozrejme urobia toto združenie a vyjadria sa k akejkoľvek podobnosti, skutočnej alebo vnímanej.

Ďalší vplyv má tiež jeho prístup k samotnému koncertu. Existuje určitá úroveň profesionality, ktorú má, a taktiež sa to dotklo aj mňa, za čo som mu veľmi vďačný. Má rešpekt k iným umelcom, organizáciám a publiku. Povedal mi: Nikdy si nemysli, že obecenstvo je hlúpe. Nikdy ich neber ako samozrejmosť. To je jedna vec, ktorú si vždy pamätám a snažím sa na svojich koncertoch držať. Jeho úroveň zamerania a vážnosti vzbudzuje úctu: keď je na koncerte, vlastní túto sálu, celý priestor.

Je lepšie nazvať speváka Sandeepa Narayana súčasným konzervatívcom, čo znamená, že verí v súčasné hodnoty, aj keď praktizuje to, čo sa považuje za konzervatívne umenie. (Expresná fotografia: Rajappane Raju)

Sanjayov štýl je veľa o inováciách. Ako inovatívny ste na pódiu?

Možno pôjdem na koncert s tým, že v ten deň niečo zaspievam, ale nie vždy to tak funguje. Namiesto toho sa môže stať niečo iné. Vidíte, v hlave vám sedí veľa hudby, pretože sedíte na koncertnom pódiu, pretože neustále počúvate a učíte sa - od populárneho po klasický - a zrazu vám v hlave niečo vyskočí. Keď sa niečo také stane, rád to preskúmam. To je určite jedna vec, ktorú som dostal od svojich guruov a iných výtvarníkov. Ak vám niečo príde na um, skúmajte to. Nehovor nie Pozrite sa, čo sa s tým dá robiť v medziach našej štruktúry, aby sa z toho nestalo niečo iné. Koncert Carnatic nie je koncertom filmovej hudby, ani fúznym, ale v jeho rámci stále existuje možnosť kreativity. Takto k tomu rád pristupujem.

V prvých rokoch ste boli známi neúnavným cvičením niekoľko hodín spolu. Teraz, keď ste zaneprázdnení koncertmi a turné, ako to zvládate?

Počas môjho nedávneho turné po USA sa ma veľa detí pýtalo, koľko by som mal cvičiť, aby som dosiahol určitú úroveň. Moja odpoveď bola, že neexistuje žiadny vzorec. Nikdy pre mňa neexistoval vzorec. A rozhodne je to o kvalite nad kvantitou. Musíte jednoducho pokračovať v tvrdej práci a mať sebadôveru, že veci jedného dňa klapnú. Keď som žil v USA, prax bola oveľa ťažšia v škole, na vysokej škole atď. Na vysokej škole bol dokonca problém nájsť umiestnenie, pretože som zdieľal byt s ďalšími tromi. Ale v tých časoch som počúval veľa hudby, aby som to vyrovnal, a keď som chodil každý mesiac domov, cvičil som každý deň 2-3 hodiny. Keď som sa presťahoval do Chennai, nebolo toľko problémov a mohol som pravidelne cvičiť najmenej 2-3 hodiny ráno a ďalšie 2-3 hodiny popoludní alebo večer. Tiež som chodil na koncerty takmer každý deň bez ohľadu na to, kto bol umelec. Inými slovami, v tom čase som vyplnil všetok svoj čas hudbou. Veľa z toho bolo opakovanie.

Opakovaním je to, ako funguje veda. Opakujete, ste dokonalí, však?

Áno, niečo, čo by dnešní študenti mali mať na pamäti, je, že by sa nemali len naučiť pieseň a potom prejsť na ďalšiu. Jedna vec, ktorá mi bola vŕtaná v hlave, bola, že musíte stokrát zaspievať pieseň. Práve to vedeli a urobili najlepší umelci, najmä z minulosti. Niekde uprostred sa na to zabudlo s mnohými ctižiadostivými hudobníkmi. A priznávam, že niekedy som dokonca obeťou tohto postoja: Myslím si, že som sa naučil pieseň, párkrát som ju naspieval a teraz ju chcem čo najskôr zaspievať na koncerte. V ten deň to môže fungovať a možno budem v bezpečí, ale keď budem spievať rovnakú pieseň po jednom mesiaci, dvoch mesiacoch alebo šiestich mesiacoch, verzia toho dňa a prvá verzia budú na míle vzdialené. Keď spievate pieseň prvýkrát, iba ju recitujete, ale keď ju cvičíte toľkokrát za určité obdobie, môže sa stať vašou piesňou. Už nerecitujete niečo naspamäť, je to vaša súčasť. Vidím to aj dnes. Opakovanie je jedna vec, ktorú som si za tie roky uvedomil ako takú dôležitú. Spievam varnamy znova a znova. Rôzne rýchlosti, s rôznym prieskumom gamakamu, rôzne podobné veci.

Teraz, keď mám koncerty a cestovné poriadky, som toho ešte veľa nenacvičil, ale snažím sa vyhradiť si aspoň jednu alebo dve hodiny denne. V cestovné dni bude táto prax ako rekapitulácia koncertu: čo spievať a čomu sa vyhnúť, pretože by som nechcel opakovať piesne a handry, ktoré by som spieval na rovnakom mieste predtým. Napríklad, tentoraz, keď som išiel na festival Chembai v Guruvayoori, zrazu som si uvedomil, že Rasavilasu (pieseň Swathi Thirunal v raga Kamboji) som nespieval už veľmi dlho. Takže počas cesty autom z letiska Coimbatore do Guruvayoor som počúval jeho záznam a snažil som sa osviežiť pamäť. Nakoniec som to nezaspieval, pretože bola požiadavka na inú pieseň, ale som šťastný, že je späť v mojej pamäti a plánujem ju čoskoro naspievať znova.

O karnatických hudobníkoch je známe, že používajú rôzne hlasové techniky na zdokonalenie svojho spevu, niekedy dokonca aj s pomocou hlasových špecialistov. Máte akýkoľvek?

Uvedomil som si, že samotná naša hudba má toľko vstavaných cvičení. Aj základné veci, ako sú sarali-varisai a janta-varisai, sú cvičenia samy o sebe. Bohužiaľ boli označení ako odrazový mostík pre začiatočníkov k naučeniu sa varnamu a keď s tým skončíte, presťahujete sa do swara jathis a geethamu a zvyčajne sa neobzeráte späť. Ale tieto veci sú nadčasové. Sú to také dobré cvičenia, ktoré boli pre nás navrhnuté. Sedí to tam vo vašich prvých knihách o geethame. Niekedy ich spievam v rôznych ragách a pri rôznych rýchlostiach, pričom zachovávam čistotu. To samo o sebe je také úžasné hlasové cvičenie. Stala sa pre mňa zábavnou výzvou.

Sandeep Narayan vystupuje na koncerte v Chennai's Kapali Temple v roku 2019.

Dokonca aj Varnams sú také dobré cvičenia. Rýchlosť ide pomaly až rýchlo, melódia sa často pohybuje od veľmi nízkych po veľmi vysoké a v tom všetkom robíme swaram, sahithyam atď. Hlasové cvičenia teda vlastne prichádzajú s našou hudbou. Musíme ich len preskúmať a správne využiť.

Ale tiež som diskutoval s vyškolenými odborníkmi o typoch zahrievacích a ochladzovacích cvičení, ktoré môžu pomôcť udržať váš hlas. Obyčajne si myslíme, že ochladenie nie je potrebné, ale je to ako s každým iným svalom a akýmkoľvek iným cvičením v posilňovni, a podobne v oboch je potrebná disciplína a cvičenie.

V dnešnej dobe je veľký dopyt po rozmanitosti, a preto umelec potrebuje neustále rozširovať svoj repertoár. Vytvára to na vás tlak?

Možno pred desaťročiami by sa dalo v meste za mestom znova a znova spievať ten istý súbor piesní a tiež ich piesne leštiť. Dnes, s nástupom sociálnych médií a digitálnych platforiem, toho už ale nemôžete tak veľa robiť. Ak spievam pieseň alebo ragu na jednom mieste, každý v iných mestách by sa to dozvedel takmer okamžite. Ak to čoskoro zopakujem v inom meste, povedali by, že všade spievam tie isté piesne, a povedali by, že možno neviem nič iné! Častejšie spievanie nových piesní sa stalo tak trochu nevyhnutnosťou. Temnejšou stránkou veci je, že ak neustále spievate nové veci, nemôžete sa dostať hlbšie do piesní, ktoré chcete zvládnuť. Rozhodne to teda môže byť veľký tlak. Ako som už spomenul, v ideálnom prípade by mal človek pieseň spievať niekoľkokrát, než ju predstaví verejne, čo môže tiež zaťažiť hlas pri neustálom pokuse o aktualizáciu repertoáru pre každý koncert.

Rozhovor s Abhishekom Raghuramom: „V umení nie je dobro a zlo. Pre mňa je to o sebavyjadrení. '

Môj prístup je vniesť sviežosť aj do starých piesní, navyše spievať nové. Nie je to len pre divákov, ale aj pre mňa. Ak dnes spievam niečo, čo som spieval pred 20 rokmi, a ak to znie stále rovnako, znamená to, že ako hudobník som nevyrástol. Aj keď sa umelci pravdepodobne mohli prestať spievať pieseň častejšie ako dnes, všimol som si tiež, že najväčší z umelcov nenašli len to, čo fungovalo a stále robilo to isté. Namiesto toho sa všetci väčšinou stále vyvíjali. V ich hudbe za tie roky vidíte takú zmenu a vyspelosť.

Minulí majstri však nemali tento druh tlaku na rozšírenie svojho repertoáru

Neviem s istotou, aké tlaky mali alebo nemali predchádzajúci majstri. Ale mám podozrenie, že to môže byť pravda, a preto mohli spievať niektoré zo svojich ochranných známok, ktoré sa stali ich hitmi a ktoré s nimi spájame. Nezabudnite, že uviedli nové piesne a raga. Prostredníctvom hudby GN Balasubramaniama som sa zoznámil s niektorými hindustánskymi ragami, ako sú Durga a Gavathi. Niekedy preslávili ragu a niekedy ich preslávila raga. Ale aj v tomto prístupe bola dynamika. Pieseň môže byť rovnaká, ale priniesla také nové nápady do spevu swara, nervalov atď. Ako viete, ľudia tieto piesne dokonca označujú dátumami ich nahrávania. Umelec X naspieval nezabudnuteľnú pieseň Y v roku Z. Prečo to ľudia robia? Pretože aj keď je pieseň alebo raga rovnaká, prevedenie nie je. Ak máte pocit, že po štyroch koncertoch znie umelec rovnako, možno ho už nebudete chcieť počúvať. Úspešní umelci minulosti a dneška sa vždy vyhli tomu, aby sa do tejto pasce dostali. S každým vystúpením prinášajú niečo iné.

Sandeep Narayan vystupuje na koncerte na Carnegie Mellon University v Pensylvánii v roku 2013.

Mnohým minulým majstrom, ktorých si ľudia teraz idolizujú, sa za ich čias nedostalo náležitého uznania. Sledujete niektorú z ich prác?

Niektorí umelci často cítili, že boli počas svojej doby nedocenení v porovnaní s ich skutočnou kompetenciou a prínosom. Ľudia vždy hovoria o MD Ramanathanovi ako o príklade. Mám pocit, že taký bol aj Thanjavur S Kalyanaraman. A hoci Madurai Somasundaram mal vo svojej dobe značný úspech, nezdá sa, že by z akéhokoľvek dôvodu zapisoval do historických kníh porovnateľne s niektorými svojimi rovesníkmi tej doby. V roku 2019 sme na mnohých miestach oslávili storočnicu jeho narodenia, Somu 100, ale predtým ste takmer nepočuli ľudí diskutujúcich o jeho mene a hudbe v posledných rokoch. Mne to pripadá dosť divné.

Nie je zvláštne, že ľudia teraz viac hovoria o Kalyanaramanovi?

Dnes je z neho kultový hrdina. Myslím si, že v zásade predbehol dobu. V skutočnosti počujem veľa zaujímavých anekdot o SKR od jeho učeníkov, rodinných príslušníkov a priateľov, ktorí ho osobne poznali. Jedným z nich je, ako vykonal veľký prieskum hlasových techník, aby zlepšil svoje vlastné schopnosti. Vďaka týmto technikám dokázal udržať presnosť v sruthi a laji. V skutočnosti mi bolo povedané, že v noci sedel sám, keď bolo všetko ticho, a robil hlasové cvičenia. Tiež preskúmal dwi-madhyama panchama varjya ragas, niečo, čo bol koncept, ktorý nikto v skutočnosti veľmi neskúmal, a bol odborníkom na vivadhi ragas. Ľudia sa na jeho dielo dnes pozerajú s veľkým úžasom. Alebo aspoň ja určite áno.

Kedykoľvek sa ma spýtajú, kto je tá jediná osoba, s ktorou by som si želal, aby som ju mohol stretnúť a stráviť s ňou nejaký čas, vždy mi napadne.

Keďže pochádzate z iného sociálno-kultúrneho prostredia a ste vystavený iným formám umenia a hudby vo svete, ovplyvňuje to vašu hudbu?

Vždy som počúval veľa westernového popu, rocku, R&B, hip hopu atď. Aj dnes to robím. Moje zoznamy skladieb Spotify sú kombináciou amerických a britských interpretov a indických interpretov. Počúvanie nekarnatických štýlov hudby je pre mňa často uvoľnením alebo úľavou. Karnatická hudba ma vždy dostane do hĺbky pozornosti a má neustále zapnutý mozog. Jediným spôsobom, ako to vypnúť alebo odísť na prestávku, je počúvať iné štýly. Ale neviem, ako veľmi to ovplyvnilo moju hudbu Carnatic. Nemyslím si, že môžem priniesť rap alebo hip hop do karnatiky (smiech)!

Ale môžu existovať prvky v populárnej hudbe alebo iných formách, ktoré by mohli obohatiť alebo dodať farbu vašej klasickej hudbe

Povedal by som, že pravdepodobne staré filmové piesne sa väčšinou hodia k hudbe Carnatic, najmä ak sú založené na raga. Alebo rôzne rytmické vzorce z iných štýlov. Možno nie sú tradičné, ale môžeme ich do našej hudby preniesť oveľa jednoduchšie. Obvykle trochu z jazzu, pretože existuje veľa paralel. Myslím si, že rocková hudba sa Carnaticu príliš neujíma, bez toho, aby vstupovala do žánru fúzie.

Jazz považujem za západný, alebo skôr americký, ekvivalent hudby Carnatic. Obaja sú podobnou hudbou improvizácie. Často sa čudujem, prečo ľudia neskúsia jazzové techniky v hudbe Carnatic, pretože by to spestrilo koncerty aj bez straty klasicizmu alebo vážnosti.

Áno, máte pravdu, Jazz je najbližšie k Carnatic. Vzhľadom na bežný termín klasická hudba každý porovnáva štandardne juhoindickú alebo severoindickú klasickú hudbu so západnou klasikou. Ale keď sa pozriete na technickú stránku a koncertnú prezentáciu, Jazz sa viac podobá na hudbu Carnatic. Napríklad, keď majú refrén, máme riadok z piesne alebo pallavi v raga-tanam-pallavi. Pallavi je to isté, ako vziať si refrén ako v Jazze a improvizovať znova a znova. Tanam je medzitým podobný rozhádzaniu. Berieme len pár slabík, ktoré nemajú žiadny lyrický význam a miešajú dohromady melódiu a rytmus.

Ďalšou paralelou je úroveň zručností, ktoré potrebujete

Aj pokiaľ ide o tréning, je to veľmi podobné hudbe Carnatic. Ich schopnosti alebo výcvik môžu byť v tom, ako spievať, hrať na klavír, saxofón alebo bicie. Je to technické školenie. A veľa počúvajú. Džezoví umelci neustále niečo hrajú alebo počúvajú. Akonáhle zvládnu technické zručnosti, po určitom bode príde na rad ich kreativita, pretože tiež veľa počúvajú. Majú technické znalosti na to, aby urobili čokoľvek, čo majú v hlave. O túto správu z mozgu do vášho hlasu alebo prstov je postarané kvôli vašim technickým schopnostiam. To isté platí aj pre Carnatic.

Záber z natáčania videa Madopasanovej hudby Gopala Gokula Music.

Je však zvláštne, že jazzoví hudobníci pochádzajú z chudobných pomerov, zatiaľ čo Carnatic má odlišný sociálno-kultúrny profil, ktorý je niekedy obviňovaný dokonca z toho, že je exkluzívny.

Pravdepodobne to má niečo do činenia s tým, ako sa kultúra vyvíjala v komunite. Áno, demografické údaje sú veľmi kontrastné, zatiaľ čo školenia, štýl a spôsob, akým prichádzame s nápadmi, sú veľmi podobné. Ako paralelná štruktúra. Takmer od začiatku.

Ale v Carnaticu neexistuje nejaká forma regimentácie ani v improvizácii, pretože je riadená starým konzervatívnym systémom?

Povedal by som, že aj v jazze stále platia určité pravidlá: majú rytmický cyklus a hoci sa neriadia tak ako my, majú režim alebo škálu. V tomto režime sú určité poznámky, ktorých poradie nemusí byť príliš prísne a raz za čas prinesú cudziu notu len kvôli kontrastu, ale vrátia sa. Väčšinou sa riadia svojimi mierkami, čo je podobné tomu, čo robíme my. Ano mas pravdu V Carnatic music som zistil, že existujú ľudia, ktorí sa pokúšajú zaviesť veľa pravidiel.

Niekedy aj malá nedokonalosť znie dobre, však?

Neverím v správny a nesprávny prístup. Je to skôr ako dobré a zlé. A to sa dá posúdiť na základe skúseností a zrelosti umelca. Existuje napríklad identita pre raga. Aby ste vedeli, že ide o Todi alebo Sankarabharanam, nemusíte počuť všetky tóny stupnice. Z jednej frázy môžete vedieť, čo je to raga. Ako rozoznám raga, aj keď som nespieval všetky noty? A odkiaľ pochádza toto správne a nesprávne? Hudobná prezentácia by mala byť o estetike a spojení, ktoré vytvára. Osobne sa mi nepáči ukladanie takýchto pravidiel pre každú maličkosť.

Bývalí speváci ako Madurai Somu a súčasní hudobníci ako Sanjay Subrahmanyan majú vo svojej hudbe veľa nekonvenčných prvkov, vďaka ktorým sú samy osebe žánrom. Nemáte inšpiráciu na niečo podobné?

Obaja sú pre mňa rozhodne veľmi inšpiratívni výtvarníci. Ale nechcem vedome robiť niečo netradičné len kvôli tomu, aby som mal svoj vlastný žáner. Možno sa jedného dňa pozriem späť a uvidím, že som robil netradičné veci, ale chcel by som, aby to všetko bolo prirodzené a prišlo v pravý čas samo. Možno to bude mať za následok iný žáner, ako hovoríte. Väčšinu času len rád niečo počúvam a oceňujem jeho krásu, než by som to mal pitvať a rozhodovať sa, či je to konvenčné alebo či to vstúpilo do nového priestoru. Nové priestory sa budú formovať organicky, ako budem rásť a ako moja hudba ešte viac dozrieva.

druhy palmy s obrázkami

Ako dôležité je vaše spojenie s publikom?

Je to pre mňa mimoriadne dôležité. Ak spievam v tmavej sále, požiadam organizátorov, aby zapli svetlá, pretože nechcem spievať na čiernu stenu. Chcem vidieť ľudí, ich oči, ich reakcie, všetko. Pre mňa sa tým tak živím. Ak nemám pocit, že sú so mnou alebo nereagujú pozitívne, na mieste zmením kurz. Je to rozhovor. Publikum reaguje a komunikuje mi spätne svojim vlastným spôsobom. Bez publika, pre koho spievame? Sú neoddeliteľnou súčasťou koncertného zážitku. Keď mám veľmi vnímavé publikum, mám pocit, že môžem spievať čokoľvek. V tých dňoch sa cítim ako superman. Ak nedostanem žiadnu odpoveď, môžem o sebe dokonca začať pochybovať.

Používate spojenie s publikom ako techniku ​​na získanie ich spätnej väzby?

Myslím si, že v prvých pár piesňach nájdete miesta v publiku, ktoré skutočne reagujú na to, čo robíte. Moje oči a moje zameranie budú mať tendenciu vracať sa k nim prirodzene. Nerobím to vedome, ale deje sa to inštinktívne. Niekedy sa inštinktívne na nich na sekundu pozeráte, aby ste si overili, čo spievate, pretože mi do tej chvíle mlčky poskytovali spätnú väzbu.

Reaguje publikum v Chennai?

Ach áno, absolútne. Mali by ste si uvedomiť, že v Chennai je publikum vystavené toľkej hudbe, takže priemerná rasika v Chennai je v oblasti karnatickej hudby celkom vzdelaná. Existuje dôvod, prečo sem všetci prichádzajú z celého sveta. Prečo som sa presťahoval z LA do Chennai? Uplatniť sa tu je skutočne výzva. Publikum je tu veľmi náročné, ale poskytne vám úprimnú spätnú väzbu.

Sandeep Narayan hovorí, že niektorým veciam, ako sú hraničné triky, sa dá na niektorých miestach vyhnúť, ale v Chennai si musíte dávať pozor, pretože publikum všetko videlo. (Expresná fotografia: Rajappane Raju)

Ako veľkorysí sú v poskytovaní spätnej väzby?

Niektorým veciam, ako sú hraničné triky, sa môžete na niektorých miestach vyhnúť, ale v Chennai musíte byť opatrní, pretože publikum všetko videlo. Môžem povedať, že som cestoval po svete a spieval som pre všetky publikum, ale Chennai odpovie, že je mi jedno, kam si išiel, musíš mi teraz zaspievať. (smiech)

Je to pokorné v mnohých ohľadoch. Pozitívna reakcia od čennajského publika znamená veľa. A oni odpovedajú, dajú to tam, kde je to potrebné. Ak sa pokúsite urobiť niečo, aby ste získali ich uznanie, uvidí to. Ale ak ste vy a vaša hudba úprimní, odpovedia. Môžete byť prekvapení, keď si niečo vážia, keď ste to nečakali. Môže to byť kontrola reality.

Je to krása ekosystému Chennai, pretože práve to podporuje túto karnatickú tradíciu. Nie?

Áno. Ekosystém nie je len o umelcoch, ale aj o publiku. Bez nich by sme svoju hudbu možno až tak veľmi neposunuli. Vždy hovorím študentom a výtvarníkom, ktorí žijú mimo Chennai, aby sa sem prišli pozrieť, čo hudobne robia ľudia ich vekovej skupiny alebo rovesníci.

Dobrý úspech je byť úspešný v Chennai a inde, nie?

To je ideálna rovnováha. Tu skutočne zdokonalíte svoje schopnosti. Medzitým vás účinkovanie na iných miestach naučí, ako sa prezentovať odlišne pre rôzne publikum. Obidve sú nevyhnutné na to, aby ste boli úspešným interpretom.

Robí vás výzva improvizácie zraniteľnou na javisku?

Mám pocit, že človek by mal byť na javisku trochu zraniteľný. Je mi smutno, ak má umelec pocit, že to, čo sa chystá predviesť na javisku, musí byť dokonalé. V okamihu, keď to začnete robiť, nebudete skúmať a rozširovať svoju hudobnú kreativitu tak, ako by ste mohli. Teraz si viac robíte starosti s komerčným balíkom. Snažíte sa udržať značku alebo meno, ktoré ste vytvorili. Musí existovať rovnováha medzi štandardom, ktorý ste vytvorili, a zároveň skúmať kreativitu. To znamená, že musíte byť do určitej miery zraniteľní pred publikom.

Keď vstúpim na pódium, je tu určitá moja časť, ktorá je sebavedomá a hovorí: Dobre, toto je moja komfortná zóna. Ale ak budem robiť len to, čo viem, že je bezpečné a už testované, ako potom pôjdem na ďalšiu úroveň ako umelec? Zraniteľnosť, o ktorej hovorím, je o tom, že sa otvoríte publiku a poviete si, hej, niečo skúšam a uvidíme sa spoločne, ako to ide. To je tiež súčasť rozhovoru, o ktorom som hovoril predtým.

Sandeep Narayan vystupuje na koncerte v Kuthiramaligai v Thiruvananthapuram v roku 2015.

Na jednom z našich koncertov v USA som skúšal komplikovaný korvai, ktorý som dostatočne nacvičoval, ale nefungovalo to len vtedy, keď som bol na pódiu. Nefungovalo to raz, dvakrát a tretíkrát som si myslel, že sa to stane, ale nestalo sa. V tej chvíli sa niečo v mojom mozgu vypínalo. Keby som dostal minútu ticha na premýšľanie a vypracovanie, zvládol by som to; ale talam prebiehal, obecenstvo sledovalo a nebol čas premýšľať. Nakoniec som skončil s iným korvaiom. Keď však umelec mridangam začal hrať sólo, správne zahral korvai. Hneď som sa pridal a zaspieval som to s ním. Potom som publiku oznámil, že to je to, čo sa pokúšam spievať. Tiež som povedal, že keby som to nedostal, nemohol by som v tú noc spať! (smiech)

Vďaka týmto nedokonalostiam sú koncerty nezabudnuteľné, však?

Myslím si, že áno, ale nechcem, aby sa také veci stávali často. Ak sa niečo stane prirodzene a organicky, je to v poriadku. Stalo sa niečo mimo plánu a ja som bol transparentný. Myslím, že to je zraniteľnosť, o ktorej sme hovorili. Chcem, aby bol môj koncert čo najoriginálnejší.

Ako plánujete koncert?

Snažím sa neopakovať handry a skladby, ktoré som na tom mieste spieval v nedávnej minulosti, ale opakovaniu sa niekedy nemôžete vyhnúť, ak chcete zahrnúť ghana ragu, pretože ich je len obmedzený počet. A zvyčajne, ak sa im na koncerte vyhnem, ľudia sa prirodzene budú pýtať, prečo neboli Bhairavi, Thodi alebo Kamboji atď. A majú tiež pravdu. Aby sa zabránilo opakovaniu, pravdepodobne budem spievať inú skladbu alebo jeden deň použijem ghana raga v Pallavi a druhý deň ako hlavný.

Druhá vec je získať rôznych skladateľov a talamov. A tiež rozmanitosť ragas z hľadiska kontrastu. Musíte vziať poslucháča na túto cestu so sebou, a preto dáte rozmanitosť.

To závisí aj od toho, kde spievam. V Tamil Nadu spievam jednu alebo dve tamilské piesne, v Karnatake jednu alebo dve kannadské piesne a v Kerale jednu alebo dve piesne Swathi Thirunal. Mixujte známe piesne a pridajte jednu alebo dve vzácne. Musíme neustále bilancovať. Tak pristupujem k koncertu. Zmením zoznam po vstupe na pódium? Áno, stále. Keď som dorazil na miesto konania a uvidel publikum, niekedy si myslím, že môj plán nebude fungovať dobre, a preto urobím zmeny v hernom čase!

Keď za vami ľudia prídu s požiadavkami počas koncertu, narúšajú vašu schému vecí?

Ak dostanem žiadosť vopred, je jednoduchšie ju začleniť do môjho koncertného plánu. Niekedy sú tieto požiadavky v súlade aj s vašim myslením. Niekedy nie, ale mne to nevadí. V každom prípade sa snažím splniť väčšinu požiadaviek, ktoré dostávam počas koncertov. Koniec koncov, je našou úlohou spievať to, čo chcú diváci.

Niektorí speváci pridávajú do svojho repertoáru nové skladby, aby uvažovali o svojom koncerte? Povedzme, že napríklad skúmame pridanie modernej poézie ako kompozície alebo Pallaviho.

Pravdepodobne to nerobím aktívne, pretože je toho už veľa. Možno je to niečo, čo by som urobil vedome po ceste, keď cítim, že je ten správny čas.

Aký je váš prístup k prieskumu ragas?

Obvykle existuje kostra bežne počúvaných ragás a našou úlohou je kreatívne ju vyplniť. Ghana ragas ponúka v tomto ohľade veľký rozsah. A vo väčšine ragas sú vždy zavedené sangati, na ktoré sa môžete spoľahnúť, ak nová cesta, ktorou sa vydáte, nefunguje. Keď spievam tieto handry, cítim sa sebavedomý viac skúmať a experimentovať, pričom sa vraciam k časom testovaným vzorcom a prechodom.

Potom sú tu handry s malým až žiadnym rámcom a predlohou, pretože sa málokedy spievajú. Toto je druhý extrém. V tomto prípade vaša sloboda pochádza zo skutočnosti, že predchádzajúceho skúmania je len málo. Keď spievam také ragy, možno sa pokúsim urobiť veľa nových vecí, pretože kto mi príde povedať, že som to nespieval správne? V tomto prípade neexistuje žiadna predstava o tom, čo je správne a akceptované.

Sandeep Narayan získava Cenu na Hudobnej akadémii.

Ako zvládate zriedka spievané handry? Ako ich rozvíjate s obmedzenými kompozíciami a odkazmi?

Asi ako rastie moja hudobná vyspelosť, v hlave mi lezú rôzne veci. Napríklad v málo počutej rage, ako je Deepali, sa až na niekoľko sangathis a stupnice toho veľa nestanovilo. V takýchto prípadoch môžem chytiť poznámku a rozhodnúť sa, že to je môj pristávací bod. Obvykle nikto nepovie, že je to zle. Ale vezmete si staršieho a známeho raga-podobného Devamanohari-a zmeníte pristávaciu notu, bude to znieť trápne, pretože už je to v mysli poslucháčov určitým spôsobom zakomponované. V takýchto prípadoch sa identita raga začína premieňať na niečo iné.

Ale niektoré z týchto vzácnych ragas sú hindustáni. Nemôžete použiť hindustánske referencie?

Môžete, ale ich gamaky sú rôzne. Prístup k raga je iný. Môžete do určitej miery napodobňovať hindustáni- povedzme, že môžete urobiť Pantuvarali tak, aby znelo ako Basant alebo Puriya Dhanashree. Rovnaké tóny, ak budú spievané v hindustánskom štýle, budú znieť odlišne.

Robíte to niekedy?

Áno. Páči sa mi to (smiech). Je to osobná preferencia.

Pripomína mi to nahrávku Pallavi od TN Seshagopalan, v ktorej spieva paralelné frázy medzi Carnatic Bhairavi a Sindhu Bhairavi (čo je ako hindustánsky Bhairavi). Tieto veci sú pre mňa skutočne skvelé, ale musíte si dávať pozor, aby ste nezablúdili do poznámok, ktoré sú bežné pri iných handrách. Nie je to ľahká vec.

Si dosť výrazný spevák. Ako emotuješ? Potrebujete napríklad osobne cítiť oddanosť, aby fungovala pieseň oddanej piesne?

Nie vo všetkých, ale v niektorých áno. Význam piesne vám mnohokrát pomôže vzbudiť emóciu. Niekedy sú emócie v samotnej raga. Niekedy to môže byť spojenie s piesňou alebo spojenie so skladateľom. Napríklad poznáme význam piesne varugalaamo v Manji od Gopalakrishna Bharathi. Túto pieseň nespievam, pretože si myslím, že som ten, kto túži vidieť božstvo, ale emocionálne premýšľam o skladateľovi, ktorý tak krásne napísal a popísal takú situáciu.

Nejaká raga, v ktorej sa cítite emocionálne prepojení neskoro?

V poslednej dobe mám nejaké spojenie s Thodim. Povaha môjho spojenia s ragasmi je pre každého iná a stále sa mení. Môže to znieť ako klišé, ale zistil som, že existuje dôvod, prečo sa toľko umelcov vracia najmä k tejto rage a prečo má takú povesť. Je to len sedem nôt, ale za tým je niečo také obrovské. Mám pocit, že idem dole tunelom Thodi a učím sa stále viac a viac o raga, keď ju spievam, a keď si myslím, že môžem byť mimo tunela, uvedomujem si, že s touto nádhernou ragou mám ešte viac do činenia a ponorím sa. ešte hlbšie.